Gabriele Salvaterra intervista Paolo Radi per Espoarte in occasione della mostra a Bolzano presso la  galleria Antonella Cattani C.A. 2014 
  Vuoi parlarci dei lavori che presenti oggi alla Galleria Accart di Bolzano? 
Si tratta di lavori realizzati appositamente per la mostra. Conosco la galleria dal 2009, per cui ho pensato  alle opere già all’interno dello spazio espositivo.
    Nella tua ultima produzione si nota un ulteriore processo di sottrazione che mira a una grande  essenzialità. Vedo infatti che le cromie si limitano quasi esclusivamente al bianco e nero…  Questa mostra rappresenta un nuovo approdo all’interno del mio percorso, in un linguaggio che si basa  ormai quasi esclusivamente su luce e ombra. Questo aspetto è sempre esistito nel mio lavoro ma va  diventando sempre più sottile, tendo ad azzerare sempre di più, a togliere quanto eccede. In queste opere  vedi poi la costanza di un movimento circolare, un segno che rimanda alla questione del tempo, tema a me  molto caro: il tempo dell’osservazione, dell’attraversamento dell’opera con lo sguardo, dello spostamento  fisico davanti al lavoro. Quest’idea del tempo, del finito e dell’infinito, viene comunicata attraverso una  costante messa in crisi della visione. 
  Mi interessa parlare della dinamica superficie‐profondità che si viene a creare nei tuoi lavori. Sono opere  che vivono sulla superficie, ma con la loro trasparenza invitano lo sguardo ad attraversarle. Ce ne vuoi  parlare? 
La superficie consente al fondo di manifestarsi e , viceversa, il fondo fa risaltare la superficie. Il materiale  opalescente che ricopre l’opera rende impossibile la messa a fuoco, non consente di capire ciò che sta  davanti e cosa sta dietro. 
Questo calibrare lo spazio e gli aggetti dei materiali punta proprio a uno  smarrimento della visione, a una certa ambiguità percettiva.  C’è una volontà di mettere in crisi l’osservatore? 
  Sì ma piuttosto tengo all’idea del ricordare, di immagini puntuali e precise nel momento in cui le pensi  che  poi tendono a diventare sfocate e a scomparire nell’indistinto. C’è un po’ questo nel mio lavoro. 
    Lo sfaldare i contorni e quest’idea di infinito mi fanno pensare all’approccio spaziale di James Turrel e  Robert Irwin, sono riferimenti che ti interessano? 
Io credo che il discorso dell’infinito sia un’urgenza che accomuna molte persone e in particolare chi ricerca  nei territori dell’arte, quindi ci sta assolutamente che si possano trovare delle affinità con altri artisti. Le mie  influenze sono soprattutto filosofiche e ruotano attorno a queste tematiche che poi, in fondo,  corrispondono a tutti gli interrogativi che si pongono coloro che abitano questo pianeta, con tutti i dolori  che ne conseguono. 
  Quale reazione ti piacerebbe suscitare nell’osservatore? 
Mi piacerebbe che il mio lavoro creasse un vuoto e che l’osservatore ne traesse uno smarrimento  percettivo, in fondo penso che siamo tutti smarriti come esseri. Poi se riesco a fare sostare una persona  davanti al lavoro e a guardarlo per un tempo prolungato, questo per me è il successo dell’opera. 
  E per quanto riguarda il medium come ti descriveresti? 
Sono opere a parete ma con una forte carica  tridimensionale.
Da questo punto di vista ho un problema: mi ricordo che a vent’anni un critico mi disse che dovevo  decidere se volevo fare il pittore o lo scultore… Io ci sto ancora pensando. Lavoro come se fossi uno  scultore però prima disegno e progetto, è presente un’immagine ma sono affascinato dall’idea scultorea  che questa possa cambiare a seconda della posizione dello spettatore. Quindi insomma non ho ancora  deciso… 
    Non voglio entrare troppo nella tua vita privata ma che influenze artistiche si possono trovare tra il tuo  lavoro e quello di tua moglie Emanuela Fiorelli? Avete più volte esposto insieme e le sue opere recenti  sono state presentate proprio qui ad Accart pochi mesi fa. 
Sicuramente siamo accomunati dall’interesse verso lo spazio, anche se lei forse è più intrigata dallo spazio  da un punto di vista fisico mentre io dal discorso del tempo, anche se poi magari a livello formale le  problematiche potrebbero apparire simili. In verità l’idea della luce che rivela le immagini attraverso la  temporalità è quello che caratterizza il mio lavoro rispetto al maggiore rigore geometrico dell’approccio di  Emanuela. Oltre a questo siamo reciprocamente giudice uno dell’altro e ci supportiamo a vicenda in un  mondo dell’arte spesso difficile da affrontare.   
Mi piace sempre puntare ai confronti e vorrei sapere come ti poni rispetto alla grande tradizione italiana 
che ha fatto del quadro un terreno di sperimentazione tridimensionale. Penso a Fontana, Castellani,  Bonalumi…  Devo dire che sono piuttosto autistico, guardo soprattutto a quello che faccio, sono monomaniacale. Detto  questo Fontana è un grande, è qualcuno che ha aperto una strada. Con Bonalumi ci siamo conosciuti e lui  era non solo un grandissimo artista ma anche una persona umanamente eccezionale. In realtà però se  penso ai miei primi quadri ero molto interessato a Masaccio, a Piero della Francesca: cercavo di scardinare  l’immagine ma cercavo di conservare la loro essenza di spazio e colore. La mia idea di luce e spazio viene  soprattutto da quel passato.